Введение

Театральные традиции стран Азии, таких как Япония и Южная Корея богаты и разнообразны. Соприкасаясь с ними, мы погружаемся в захватывающий мир искусства и культуры, который простирается сквозь века и континенты. Но важность их исследования обусловлена не только богатством и разнообразием театральных форм в указанных странах, но и их влиянием на формирование культурного наследия и национальной идентичности.

Изучение истории развития театрального искусства в Японии и Южной Корее позволяет проникнуть в уникальные театральные практики и обычаи каждой страны, понять особенности формирования и эволюции сценических жанров и стилей. Театральное искусство стран востока тесно соприкасается с социально-экономическими процессами, а также взаимодействует с другими видами искусства, такими как музыка, танец, литература [1].

Целью данной работы является анализ театральных традиций Японии и Южной Кореи, сквозь призму современных тенденций развития театрального искусства и его роли в современном обществе. Исследование данных вопросов позволит глубже понять культурное наследие и традиции стран Азии, а также их влияние на мировое искусство. Материал и методы исследования

Исследование строится на обобщении исторических сведений о древних и современных театральных практиках Японии и Южной Кореи, в основу положен сравнительный и историко-культурный метод анализа.

Результаты исследования и их обсуждение.

«Но» и «Кабуки» как традиционные театральные формы Японии.

Япония уникальна наличием театра, сохранившим традиционные формы. Когда на Западе предпринимается попытка воссоздать оригинальную постановку греческой трагедии или даже пьесы Шекспира, ее историческая точность может быть лишь приблизительной. В Японии же традиции сценического искусства и костюмов, как длядрамы, так и для танца остались неизменными.

При этом интересно, что Японская театральная жизнь развилась намного раньше, чем западная; ко времени Шекспира, например, японцы уже изобреливращающуюся сцену, люки и сложныесветовыеэффекты. Театр – значимая часть японской культуры. Почти в каждый период его истории возникала особая исполнительская традиция. Остановимся на наиболее известных разновидностях традиционного театра – «Но» и «Кабуки».

«Но» был разработан к концу XIV века и впервые был замечен жителями Запада в 1850-х годах. Он развился из денгаку – ритуалапосадки и сбора урожая риса, который к XIV веку превратился в придворный танец, и из саругаку – популярного развлечения, включающего акробатику, пантомиму, жонглирование и музыку, которое позже исполнялось на религиозных фестивалях [2].

Два исполнителя и приверженца дзэн буддизма конца XIVвека,Канамии его сын Дзеами Мотокие, объединили элементысаругакускусэ-май, сюжетным танцем, в котором используются как движения, так и слова. Вскоре были добавлены элементы денгаку, и постепенно сформировался характерный стиль «Но». Подобно дзенским способам чайной церемонии, рисованию тушью и другим искусствам, «Но» предлагает суть события или опыта в рамках тщательно структурированного набора правил.Сегодня в Японии существует множество театров Но, дизайн театра Но настолько уникален, что его нельзя использовать для других видов представлений. Сцена Но представляет собой платформу, полностью покрытую крышей храма. Зрители сидят по трем сторонам сцены и отделены от неесадомиз гравия, растений исосен.

Используются маски, хотя они предназначены только для главного танцовщика и его спутников.Мужские персонажи одеты в блестящую жесткую парчу и дамаск, которые хорошо сочетаются с грандиозными позами актеров.Женские роли исполняются в яркой парче в цветочек.Верхняя одежда обоих полов из тонкой ткани, легкая и подходящая для скользящих танцев, когда рукава и веера развеваются в воздухе.Вырезание масок – важное искусство в Японии, и маски, что придают значительную красоту традиционным одеяниям.Большинство костюмов основаны на классическихпридворныхохотничьих костюмах периодов Хэйан (794-857) и Камакура (1192-1333) [3].

Труппы кабуки, первоначально состоявшие только из женщин, появились в начале XVII века.К 1680-м годам кабуки стал устоявшимся видом искусства, появились занавесы и декорации. Впервые кабуки увидели в Западной Европе во второй половине XIX века, но только в 1920-х годах его приняли там как нечто большее. Театр «Кабуки» оказал влияние на театральное и даже киноискусство других стран, например, на творчество российского кинорежиссераСергея Эйзенштейна, оказала воздействие труппа театра кабуки, гастролировавшая поСоветскому Союзув 1928 году, а постановочные приемы кабуки были опробованы в театрах Советского Союза, Франции и Германии; один актер театра кабуки, в свою очередь, привнес русские приемы, оказавшие влияние на японский театр.

Театр Кабуки в Токио – один из крупнейших театров в мире, со сценой шириной 91 фут (28 метров) и вместимостью 2599 человек. Проходящая через аудиторию и соединяющая сцену с задней частьюзрительного зала платформа-подиум называется ханамичи.Он используется для важных входов и выходов, процессий и танцевальных последовательностей. Его цель – объединить актера и аудиторию. Первоначально здесь было два таких подиума с соединяющим их мостом в задней части зрительного зала. Из-за экономического давления, связанного с необходимостью вместить больше людей, и влияния западной архитектуры второй ханамичи был демонтирован в начале XX века.

Декорации для Кабуки могут быть такими же продуманными и сложными, сценой, например, может быть дом, лес и река одновременно. Некоторые декорации представляют собой трехуровневые дворцы, где актеры используют все уровни одновременно; в других есть только простой фон. Востребованность театра Кабуки связано с большой ролью синтеза разных искусств, что, с одной стороны, отвечает глубинным традициям, с другой – современным трендам театрального искусства [4,5].

Костюмы кабуки относятся к периоду Эдо (1603-1868), когда, как считается, кабуки был на пике своего развития. Парики и грим тщательно соответствуют классическим традициям, позволяя обычным зрителям с первого взгляда распознать тип пьесы и персонажей. Многие костюмы сильно преувеличены; все они созданы для того, чтобы подчеркнуть драматичность образов и характерность движений. Куртизанки и герои, например, носят ходули, которые приподнимают их на несколько дюймов над землей.

Театральные традиции Южной Кореи.

О том, что в Корее театр зародился давно, говорит фреска из «Гробницы с танцующими» в Тунгоу, которая относится к периоду Трёх государств (I век до н. э. – VII век н. э.). На изображении музыканты и танцоры облачены в театральные костюмы с удлинёнными рукавами и головные уборы с перьями.

Особое внимание в этот период отводилось пластике движений. Существовала целая схема, по которой актёр должен был двигаться: первый этап (чон) – актёр внутренне сосредотачивается, второй этап (чун) – подготавливается к движению и третий этап (тон) – совершает движение. Всем действиям предшествовала задержка дыхания, каждое из них имеет конкретную цель, которая формируется на первом этапе подготовки.

Корейское театральное искусство складывалось на основе разных восточноазиатских веяний [6]. Основным был, конечно же, буддизм и его двигательные практики. Один из самых знаменитых монахов – Вон Хё (VIIвек) – исполнял «танец без препятствий», который рассказывает о том, что человек «без препятствий рождается и умирает в едином пути». Этот танец показывает сначала становление человека, а затем его освобождение. Существовало четыре основных буддийских танца: параму – танец с латунными кимвалами, побкому – танец с барабаном, набиму – танец бабочки и тхаджуму – одна из разновидностей набиму.

В I веке, в период Объединённого Силла[1], пользовался популярностью мифологический персонаж Чхо Ён – сын Дракона Восточного моря, который подчинил себе Дух лихорадки. Танец, названный в его честь, исполнялся в масках. Танцы в масках ведут долгую историю со времён древних обрядов. Этот вошёл в государственный ритуал и исполнялся вплоть до XIX века. Традиционные корейские танцы делились на придворные и народные. К придворным относились корейский национальный хянак, пришедший из Китая танак и конфуцианский аак. Народные делились на религиозные и светские.

Театральные представления в Корё (государство, основанное на Корейском полуострове в 10–14 веках), назывались каму пэкхи («сто развлечений с песнями и танцами»). Некоторые из них исполнялись во время пиров, государственных торжеств и церемоний, на празднике фонарей и других официальных мероприятиях. К распространённым танцам относились танец с мечами, санём, сасонму, сонюрак.

В период Чосон (XIV - XIX века) специально учредили ведомство Сандэ-тогам, которое отвечало за каму пэкхи. Ведомство увело представления от сакральности в сторону зрелищности, сделав упор лишь на внешней форме. Работало ведомство вплоть до конца XVII века. В каму пэкхи участвовали артисты квандэ, чэин и странствующие труппы. Они выступали, как в конфуцианских домах, так и на угоду рыбакам и торговцам. В конце XV века появился новый вид представлений – чохый, народная сатира на правящие классы. Также в это время пользовался популярностью жанр сандэгык («пьесы у подножия горы»), в котором сочетались драматические и танцевальные элементы. Он повествовал о быте простого народа. Ещё один известный театр комугык основывался на буддийских мистериях X века.

В XVII веке развитие театра в Корее мало чем отличалось от Европы. В это время появились бродячие труппы ярмарочного типа. Участники расчищали себе площадку для выступления, начало которого было больше похоже на парад. Первыми шли музыканты, за ними танцоры. Затем ставили пьесу твитпхури. Завершалось всё таким же парадом.

В твитпхури, как и в итальянской комедии дель арте, существовали постоянные «маски» – персонажи с определёными, ярко выраженными характерами. Среди них был слуга мальттуги, обманывающий своего господина, пьяница чхыбари, старый священник, наставляющий всех на путь истинный, старшая жена мийал, которая в угоду молодой жене уходила от мужа и погибала в изгнании. Кстати, мотив соперничества между двумя жёнами – один из лидирующих в корейской культуре. Музыка и танец играли главную роль, что и привело в XIX веке к появлению музыкального театра чхангык. В постановке были задействованы певец, барабанщик и кисэн – танцоры и драматические актёры

Современный корейский театр ведёт историю с 1908 года с образования театра «Вонгакса» в Сеуле. Его основатель Ли Ин Джик пытался соединить древнюю традицию национального танца, европейскую технику и современные театральные технологии [7]. В 1910 в Корее установился японский протекторат, поэтому европейская культура приходила не напрямую. Один из приверженцев западного театра – Хён Чол – обучался в Японии. В 1920 он открыл в Сеуле театральную школу. Впоследствии она была реорганизована в актёрское училище.

В 1923 году группа корейцев, которые также обучались в Японии, основали театр «Тоулхе», художественный руководителем которого стал Пак Сун Хи. В его репертуаре были пьесы Чехова, Толстого, Бернарда Шоу и Стриндберга. Режиссёр Хон Хэ Сон также учился в Японии, изучал систему Станиславского. В 1931 году он открыл театр «Исследование спектакля», где поставил «Ревизора» Гоголя, «Вишнёвый сад» Чехова. Именно он утвердил в Корее профессию режиссёра.

После Корейской войны, развитие театра изменилось. В КНДР предпочитают ставить пьесы корейских и советских драматургов, главные идеи которых революционны.

Заключение

В ходе исследования театральных традиций Японии и Южной Кореи, было выявлено множество интересных аспектов, связанных с развитием национального театрального искусства. Анализируя историю театрального искусства в каждой из этих стран, мы обнаружили удивительное разнообразие форм и жанров, которые отражают богатство культурного наследия и традиций. Было выяснено, что театр играл и продолжает играть значительную роль в формировании национальной идентичности и культурного самосознания народов Азии. Театральные постановки отражают исторические события, обычаи, верования и ценности обществ, что делает их неотъемлемой частью культурного наследия. Сравнительный анализ театральных традиций Японии и Южной Кореи позволил выявить как общие черты, так и уникальные особенности каждой из этих культур, а также показкть, как современные тенденции в развитии театрального искусства в Азии отражают вызовы современного мира и стремление сохранить и передать традиции предков.

Очевидно, что более глубокое изучение театральных традиций стран Азии позволит лучше понять многообразие культурного наследия этого региона и его влияние на современное искусство. Ведь театр – не только форма развлечения, но и важный источник знаний об истории, обычаях и ценностях различных народов, а также платформа культурного диалога между народами.